Música Viva

Un muy amable e interesante comentario de Katia, me hizo repensar una vez más en el canto dentro del aula en la edad de la adolescencia. (Nuestro nivel secundario o ESB y Polimodal).
No cabe duda que es un tema complejo y complicado para resolver.
Es este uno de los casos donde el docente de música debe asumir otros de los tantos roles que le depara el destino si quiere realizar un buen trabajo como docente, como artista, como motivador, como difusor de la música y sobre todo como formador de personalidades.
Cantar es hacer música con el propio cuerpo. Es utilizar nuestro propio instrumento.
Pero aquí tenemos el punto crítico: nuestro instrumento es nuestro cuerpo.
Entonces, cantar significa exhibirse, significa mostrar nuestro cuerpo y por sobre todo sus habilidades. Un adolescente tiene miedo a exponerse en cualquier circunstancia, cuánto más haciendo algo que generalmente es ridiculizado por la sociedad! Cuántos padres le dicen a sus hijos varones: “no pierdas tiempo cantando, andá a jugar al fútbol o al rugby, cantar es cosa de mujeres.”
Eso hace que cualquier manifestación como la de Katia, despierte mi admiración, ya que habla de una voluntad movida por el amor a la música y a sus alumnos.
Yo no se si puedo brindar consejos o dar opiniones, tal vez puedo compartir mi experiencia: el entusiasmo por enseñar hace que a veces nos olvidemos de las dificultades del otro. Hacer que los adolescentes canten, merece tener en cuenta que los varones tenemos un problemático y traumático episodio del cambio de voz: lo digo por experiencia! Las mujeres lo sufren mucho menos y eso colabora para que estén más dispuestas a cantar.
No soy de los docentes complacientes, creo que las cosas se logran con esfuerzo, pero cuando he hecho cantar a jóvenes de edad temprana, he tratado de imaginar que lograr ese objetivo es como armar un edificio con ladrillos muy frágiles. Hay que ubicar cada uno en el lugar adecuado, pero además en perfecto ensamble con los otros. Porque si se rompen las paredes, es como que se destruye todo.
Con los varones, antes que ganar registro forzándolos, es preferible trabajar en la extensión de una quinta, pero que esa quinta esté afinada y la obra a ritmo. Cuando decimos una quinta imaginamos ¡qué poco! Sin embargo una de las más fantásticas melodías del mundo (la de la parte coral de la Novena Sinfonía de Beethoven), no tiene más que una quinta de extensión, salvo una nota.
Si el joven siente que lo que está haciendo está bien y que puede mostrar a todos que tiene la fortaleza de lo correcto, poco a poco se irá afianzando en la tarea. Exigirle llegar a una altura considerable, cantar en falsete, forzar su voz o reprocharle lo que no puede hacer, puede hacerle perder confianza y por lo tanto retroceder en el camino.
Invitarlo a componer melodías (no pensemos sólo en la tonalidad), llevarlo a que genere música propia (y que la cante), pueden también ser pasos importantes para generar confianza en sí mismo y por lo tanto mejorar su desenvolvimiento en el canto.
Bravo Katia! Si hay algo que necesitamos son docentes tenaces, entusiastas y que puedan comprender a sus alumnos. Creo que sería muy útil continuar este diálogo intercambiando experiencias.

Muchas veces hablamos, y alguna vez me he referido a la relación profunda y fecunda que existe entre las letras y la música. Cuántas veces escuchamos acerca de “la poesía de la música” y desde ya, “la música de la poesía”!
Cuántos términos tenemos en común quienes nos dedicamos al arte de la palabra y al arte de los sonidos: cadencia, silencio, frase, articulación, expresividad, comunicación, etc. son vocablos que establecen puentes de gran significado entre ambos reinos!
Por no hablar de la canción, la más pequeña, pero también la más grande simbiosis entre la expresión hablada y la musical. Muchas veces los alumnos me preguntan ¿qué se hace primero: la letra o la música? No es el lugar para la respuesta, pero si es importante para señalar que en la mente de todos, consciente o inconscientemente, tenemos la representación constante de su unión.
Y así como la canción es tal vez la más pequeña demostración de esa unión, encontramos en ella también el más grande de los edificios que el hombre ha construido en la conjunción de las artes: la ópera, indisoluble unión del drama y de la música, exponente del teatro cantado, donde se conjugan los esfuerzos de muchos artistas en la necesidad de compartir esfuerzos para alcanzar el arte.
No es mi intención referirme en este caso específicamente a ella, sino que deseo comentar el trabajo de un colega que siendo un especialista en el arte de la literatura, ha completado un arduo trabajo que debería llenarnos de orgullo, cuando a veces pensamos que en nuestra sociedad contemporánea existe sólo el deseo de lo trivial: el profesor Walter Romero, ha realizado la traducción de “Berenice” de “Racine”, trabajo que le ha insumido dos años de esfuerzos y que se ha visto recompensado con la presentación de la obra en una sala teatral:
http://buscador.lanacion.com.ar/Nota.asp?nota_id=947943&high=Berenice

http://www.lanacion.com.ar/entretenimientos/cartelera/obraFicha.asp?obra=8774&teatro_id=357

Proponemos un sitio, donde podemos encontrar un interesante trabajo acerca de la obra:
http://dspace.uah.es/dspace/bitstream/10017/696/1/2001+A1+Teor%C3%ADa+t.+clasicista.pdf

Y también podemos aportar un lugar donde encontrar su biografía:
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/racine.htm

Conozco personalmente al profesor Romero, hemos compartido algunos trabajos dentro de la Bienal del Fin del Mundo del año en curso y se de su capacidad, idoneidad profesional y por sobre todo, su calidad humana.
Por último, un detalle para nada menor: el profesor Romero, es un cantor de tangos, un músico muy versado en el género, que además de editar discografía, actúa repetidas veces junto a la orquesta que lo acompaña.
Mi mayor respeto y grandes felicitaciones por representar tan cabalmente a esos dos reinos!
Quienes quieran conocer un poco acerca de él, pueden acceder a su página:
www.walteromero.com.ar

Por último menciono que una bellísima e importante obra coral de Gabriel Fauré, es justamente el Cantique de Jean Racine, para coro mixto y órgano. 

La gran pregunta con que terminan los dos escritos previos, es una de las que justifican plenamente, la pasión que algunos docentes de música vivimos al enseñarla.
Si nos detenemos a analizar el quehacer musical, seguramente nos encontraremos con que en algún sentido, cuando hacemos música estamos generando sonidos que, al ser escuchados, ya no existen!
Volvemos también a lo que significa enseñar música: significa enseñar a manejar sus elementos, a construir, a exponerse, a arriesgar y también a disfrutar, a aprender, a adquirir conocimientos y desarrollar habilidades.
Pero, en cada actividad musical, nos encontramos con la incertidumbre, cada vez que apoyamos una mano en un teclado, o pulsamos una cuerda, cantamos o soplamos un instrumento generamos sonidos, que una vez expresados no tienen retorno.  Y en cada uno de los momentos por breve que sean, estamos realizando acciones que nos someten a esa incertidumbre, que de alguna manera nos hacen asumir riesgos y enfrentarnos con la duda del resultado.
Y ese, es uno de los momentos más gloriosos del quehacer musical: el de poder vencer la duda con el éxito, el de sentir que podemos y el de generar ese latido de dudas-certezas, certezas-dudas que nos ayuda a crecer y a desarrollar nuestro yo interior.
Sólo Dios puede estar seguro!
Los humanos tenemos el placer de la duda, la angustia de lo desconocido, pero la satisfacción de descubrirlo, el desafío de lo no creado, pero la magnífica experiencia de construirlo, y eso es también la música: una permanente construcción de haceres, conocimientos y habilidades que nos permiten acostumbrarnos a la duda, en el generarnos fuertes para vivir con ella.

Continuando con lo expresado en la nota anterior, me permito mencionar algunos párrafos tomados del libro “El Rinoceronte en el Aula”, de R. Murray Schafer, publicado por la editorial Ricordi en el año 1975.
En su página 14, el libro menciona ciertas “Máximas para Educadores” que durante muchos años me sirvieron de reflexión, de cuestionamiento y de tema de conversación con muchos colegas en la música y en la educación. Sólo quiero, en este escrito mencionar un par de esas máximas que tienen mucho que ver con el título del comienzo:
“3. Enseñe al borde del peligro.”
“4. Ya no hay maestros. Sólo una comunidad de aprendices.”
“10 Enseñe siempre de manera provisional. Sólo Dios puede estar seguro.”
Cada una de las “máximas” del autor – compositor y docente canadiense – entraña cuestionamientos, a veces muy duros, al sistema educativo y de pensamiento de quienes nos dedicamos a enseñar.
Pero, especialmente estos tres que menciono, tienden a mostrarnos lo que significa enseñar en tiempos de incertidumbre, el valor de señalar que el concepto de enseñanza y aprendizaje se mezclan en una especie de “continuum” sin fin, donde la comodidad, la seguridad y la certeza no tienen demasiado lugar.
Schafer es un músico, pero además es un docente.
Schafer es un docente, pero además es un músico.
Y en ambos roles, nos conduce nuevamente a la pregunta que alienta estos escritos:
Y la educación musical, que papel puede asumir frente a esto?

Recibí con gran alegría un mail de la profesora Ana Grumberg, autora de un delicioso libro llamado Música en zapatillas. Anécdotas, reflexiones e ideas para intentar con música” que me llamó mucho la atención. Me hizo un comentario acerca de mis ideas con respecto a la duda y la incertidumbre, que me trajo a la memoria algunos pensamientos que siempre han rondado en mi mente.Cuando yo era niño, íbamos al colegio a aprender y desde mi hogar, hogar de inmigrantes con poca instrucción académica, se veía la escuela como una institución señera, indiscutible, donde yacía el conocimiento que una vez aprendido, sería nuestra herramienta para vivir mejor en un futuro.Se aprendían allí verdades indudables, cálculos que – hechos a mano – ejercitaban nuestra mente, redacción y ortografía indiscutibles, retazos de historia que transitaban sin tropiezos desde las palabras del maestro y el conocimiento de instituciones que se sostenían sin mancha en nuestra mente de alumno. Los glaciares eran firmes, el aire puro, los ríos fuente de vida, el espacio un misterio y las tablas de matemáticas había que aprenderlas a mas tardar en primero superior!Nuestra educación actual, se basa en la certeza de la incertidumbre, donde no sólo las “verdades” se convierten en dudas, las instituciones pueden adoptar cualquier rol y los maestros son seres cuestionables que a veces son juzgados por sus propios alumnos. Deseo aclarar que no abro juicios de valor sobre estas transformaciones. No pretendo analizar si era mejor la autoritaria e indiscutible figura paterna o la “democracia” familiar donde los padres deben discutir con sus hijos cada decisión. No se si era mejor una dirección de colegios con enormes escritorios de madera lustrada, donde el director o el rector era una figura señera que tenía una especie de poder divino sobre el destino de sus alumnos, o un colegio donde el director necesita del acuerdo de los alumnos para ingresar a él. Sólo deseo exponer que nuestra actual sociedad vive en la duda y la incertidumbre constante y que esa es nuestra forma de estar insertos en ella.Y que la educación – fiel reflejo de cada situación social de la historia – debería enseñar hoy el manejo de la duda, como una de las formas de desarrollar el proceso de enseñanza-aprendizaje.Creo que mejor que tratar de “eliminar las dudas” es aprender a “convivir con ellas”!Y la educación musical, que papel puede asumir frente a esto?

Tal como he prometido, van algunas fotos del Festival Suzuki, amablemente cedidas por la Asociación Suzuki y realizado la semana anterior en el Colegio Northlands. Es realmente conmovedor, ver a los niños con sus violines y pensar como con poco esfuerzo y mucho placer, pueden llegar a hacer música, bajo la dirección de sus docentes y entrenadores del Suzuki. Podemos también apreciar los cellistas, guitarristas, pianistas y flautistas, que ejercieron ese maravilloso camino de ida y vuelta que es la educación. También podemos apreciar una foto, obtenida en la escalinata de acceso a la dirección del colegio, con los docentes y los entrenadores participantes. Docentes que entrenándose con profesores especialmente preparados y especialistas en el método, pueden luego transmitir a sus alumnos las habilidades y conocimientos, enriquecer a sus entrenadores y sentirse enriquecidos por los aportes de los niños. Una maravillosa experiencia educativa!

Continuando con la idea de mi escrito anterior, he tenido la oportunidad de observar infinidad de colegios donde se realizan comedias musicales cada año (especialmente escuelas bilingües de habla inglesa), en espectáculos denominados “concerts”.
Creo que realizarlas es un esfuerzo enorme, sobre todo para los profesores que están a cargo, y siempre admiro la dedicación y el entusiasmo que ponen en esta tarea y la alegría que generan en los alumnos que participan.
Sin embargo y relacionándolo con el escrito, me gustaría llamar la atención sobre una circunstancia que también es muy frecuente en estos eventos: el canto se acompaña con un “play back” o música grabada que oficia las veces de “orquesta”. Es esta una práctica muy común en los Estados Unidos, donde existen grabaciones de muchas obras, para que otros canten sobre ellas, toquen un instrumento solista o puedan realizar sus prácticas musicales.
No hay dudas que en nuestra vida contemporánea, podemos ver facilitado el trabajo de revolver mediante una batidora, o desplazarnos más rápido por medio de un auto, o cortar sin esfuerzo con un cuchillo eléctrico. Pero estos instrumentos buscan facilitar un trabajo físico o en algunos casos ahorrar tiempo para tareas rutinarias. Pero cantar o tocar ¡nunca debería ser una tarea rutinaria!. Interpretar es siempre un descubrimiento, tanto sea en los ensayos como en los conciertos o en los “concerts”.
Cómo imaginamos un músico (profesional o amateur, niño o adulto) que puede hacer música sin tener el “dominio” del tempo, de la dinámica, de la articulación, de las variaciones de velocidad, etc. estando “preso” de una máquina que lo lleva a interpretar siempre lo mismo, sin poder variar, ni objetar la interpretación impresa en ella!
Es – a mi criterio – un tema que deberíamos plantearnos quienes enseñamos música, no es cierto?

Me gustaría hacer un breve comentario acerca de las vivencias de muchos jóvenes o niños cuando hablamos de la canción. Desde el punto de vista de pedagogos o especialistas en enseñar música, sería interesante que pudiéramos percibir cuantas veces, cuando un joven se refiere a lo “linda que es tal canción”, lo que en realidad hace es pensar y sentir en relación con el texto. Y muchas veces, la música pasa desapercibida.
Una vez, me tocó corregir el ensayo que una alumna presentaba para rendir el Bachillerato Internacional. Pactamos que el tema del ensayo, que se referiría a la música, se llevaría a cabo escribiendo sobre el grupo U2. Cuando me presentó el trabajo, muy completo y detallado por cierto, descubrí que en ese escrito, no había ninguna referencia a la música! Hacía un detallado análisis de los textos de las canciones, pero referencia a la música, ninguna.
He observado esta “confusión” en muchos alumnos, a mi criterio una visión errónea de la música.
Esto para mí, se asocia a quienes manifiestan estudiar guitarra, pero en realidad acuden a un profesor con el que aprenden algunos acordes (en realidad tampoco los acordes, sino la posición de los dedos sobre las cuerdas) y cantan sus canciones preferidas. O quienes tocan una melodía en un teclado, mientras la máquina hace sonar los arpegios o los bajos.
Creo que quienes enseñamos música y pretendemos hacerlo en serio, deberíamos “luchar” (en el buen sentido de la palabra) contra estas prácticas, que no forman músicos ni permiten conocer la música, sino que generan “juegos” que no deberían relacionarse con el arte.
Esta puede parecer una afirmación temeraria, porque no dudo que la música, su educación y su práctica se van transformando con el paso del tiempo. Personalmente soy muy afecto a las transformaciones, pero a aquellas que permiten a los individuos crecer y no a las que facilitan tanto los caminos, que sólo dan un aparente placer, sin permitir el análisis real de cada uno de los temas.   

Anoche, desde una de las habitaciones de mi casa, tuve la “oportunidad” de escuchar una interesante “versión” de un ritmo de marcha que se percibía a través de los parlantes de un auto que pasaba ¡13 pisos más abajo! Y estaba con las ventanas cerradas. . .
Imagino, la cantidad de decibeles que soportarían quienes estaban dentro del vehículo.
Esto me hizo pensar inmediatamente en la cantidad de ruidos descontrolados que soportamos quienes vivimos en las grandes ciudades: bocinas, motores, reproductores de sonidos, frenadas, arranques de autos súbitos, etc.
Y, dentro de este cuadro, mi mente siguió divagando y pensando en las discotecas, donde actualmente el sonido que nuestros jóvenes escuchan, está provocando una gran cantidad de hipoacusias, así como los reproductores personales de sonido (discman, MP3, etc.), que a veces escuchamos quienes vamos sentados al lado de sus usuarios directos (imaginemos el volumen que tienen “dentro de sus oídos”)
Transcribo a continuación una nota de Clarín.com, del día 20 de marzo del año 2000, que no por antigua deja de ser de actualidad.
Una vez más la pregunta es: qué hacemos los músicos y los educadores musicales para luchar contra esta forma de polución? ¡Cuánto podríamos hacer desde las aulas para combatirla!
Espero pronto retomar el tema con más información para compartir con Uds.

La contaminación sonora en la ciudad

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La contaminación sonora es uno de los daños ambientales que, pese a su gravedad, no suele ser tenido en cuenta en la manera en que debiera. Por eso es preciso que las autoridades públicas arbitren las medidas necesarias para disminuir el creciente nivel de ruidos que aqueja a la ciudad de Buenos Aires. Según un estudio realizado para el Plan Urbano Ambiental por el Centro de Estudios Avanzados de la Universidad de Buenos Aires, la ciudad es cada vez más ruidosa. Tras cuatro años de mediciones, se comprobó que en los últimos 27 años el nivel de ruido creció un 70 por ciento; el tránsito vehicular es el causante del 80 por ciento de la polución sonora. La confección del nuevo mapa acústico de la ciudad - el último databa de 1972 -, con la identificación de las esquinas más ruidosas, confirmó la intuición preexistente de que el ruido se expandió más allá del Centro. Los cambios en la vida urbana fueron determinando una prolongación de la jornada laboral y con ella las horas de ruido en casi toda la ciudad. Sin duda, la mayor responsabilidad por el aumento del ruido se debe a la expansión del parque automotor, que en los últimos diez años creció en un 400 por ciento. Las mediciones realizadas en 162 esquinas desde 1996 a 1998 y en 124 en el 99 determinaron que aunque camiones y colectivos producen los ruidos más intensos, al haber proporcionalmente muchos más autos son éstos los que provocan más polución sonora. Este problema podría reducirse si las autoridades establecieran requisitos de menor emisión de ruidos para los automóviles, especialmente para los vehículos de transporte público. Pero las fuentes de contaminación sonora no se agotan en el tránsito. También contribuyen en este sentido las obras en construcción, los locales bailables que atronan con su música, los mercados que empiezan a trabajar a la madrugada, las empresas de servicios que taladran las calles y los propios vecinos que agregan su cuota de ruido. Por eso, la multiplicidad de causas exige medidas de distinta naturaleza, tales como reordenar el tránsito pesado, incentivar el uso del transporte público, sancionar los motores estruendosos y ampliar los espacios verdes, amortiguadores del ruido. Es imprescindible, además, la formación de conciencia ciudadana sobre el daño que produce el ruido. En la medida en que persistan la acción insuficiente de las autoridades y la falta de conciencia, el ruido seguirá reinando.
(Clarín.com, 20/03/2000)

Afortunadamente en estos tiempos, se ha consolidado la costumbre de generar orquestas o grupos instrumentales como forma de educar musicalmente y en muchos casos de contribuir a paliar problemas sociales. Nadie puede dudar de las ventajas de esta actividad como formadora de jóvenes y niños y de su importancia como forma de inclusión social. Creo, sin embargo que aún nos falta un largo camino por recorrer para que estas iniciativas, por ahora fruto de inquietudes individuales, de algunos colegios de privilegiada situación social o de pequeños emprendimientos estatales, puedan tener un apoyo masivo desde el estado argentino o desde los estados provinciales. Cuántas habilidades se pueden generar por medio de una adecuada ejecución instrumental! Cuántas capacidades podemos lograr mediante la participación en un grupo que mediante la colaboración de todos, pueda tener objetivos comunes! Cuán importante es la relación esfuerzo-éxito que se establece inmediatamente por el hacer música!
Por otra parte, una orquesta es una gran organización empresarial, donde es necesario administrar adecuadamente los recursos existentes, (tanto humanos como materiales)  para lograr el éxito perseguido. Un director de orquesta debe ser un excelente manager, no sólo por la sabia utilización del tiempo (no hablo del tempo, que también debe saber usarlo), sino por guiar a los instrumentistas, organizar su lugar, su tarea y, a veces, hasta su estudio. Todo esto genera con el paso del tiempo capacidades y conocimientos que son perfectamente aplicables en otras áreas de la existencia.
He aquí también un desafío a los profesores de instrumentos, para que puedan compartir la enseñanza instrumental, para que podamos apreciar cuales pueden ser los caminos para enseñar – no sólo a aquellos naturalmente vocacionados para la música, sino a aquellos que haciendo de ella un hobby pueden llegar a ser tan buenos intérpretes como para participar de una agrupación orquestal.
Ojalá que estas iniciativas crezcan y lo hagan por mucho tiempo!