Estamos por comenzar un nuevo año lectivo y eso implica recibir una vez más a una legión de niños y jóvenes que concurren a nuestras clases para aprender.
De acuerdo con la organización escolar y con nuestra función, debemos encontrarnos con ellos para enseñarles música. Nuestra experiencia nos indica, de acuerdo al lugar en que nos toca desenvolvernos, que seremos depositarios por un tiempo semanal, de individuos en formación que tendrán mayor o menor interés en aprender música, o cualquiera de las otras materias del currriculum.
Que compartiremos distintas formas de ser, distintos habitats, costumbres, culturas, intereses, alegrías y frustraciones que son lo que conforman cada una de las personalidades que tendrán nuestros próximos alumnos.
Conoceremos a algunos de ellos, los veremos iguales, cambiados, más pícaros, más tímidos amando aún más la música o más desinteresados en ella. A otros ni siquiera los conoceremos y serán una incógnita, un pequeño tesoro a descubrir.
Nuestra costumbre nos dice que si ellos vienen a aprender, nosotros debemos ir a enseñar (sería la forma lógica de compensar la ecuación). Esto nos desafía, en casos nos asusta, muchas veces nos preocupa y casi siempre nos acota.
Tal vez podríamos sentir ese encuentro desde otra dimensión: aquella que nos permitiera acercarnos para sentir que nosotros también podemos aprender, que de nuestra observación y de sus actitudes, surgirán interesantes temas de aprendizaje que contribuirán también a formarnos, a crecer junto con ellos.
Muchas veces pensamos los comienzos de clase como parte de una especie de guerra anual que debemos librar contra circunstancias que pueden ser adversas (grupos desatentos, burocracia que cumplimentar, exigencias planteadas sin la provisión de recursos suficientes, situaciones sociales extremas, desinterés tanto de alumnos como de las autoridades por nuestro trabajo, etc.).
Puede ser muy útil, vivir tales situaciones pensando y sintiendo que no existe tal batalla, que lo que puede ocurrir sea compartir, descubrir, hacer y disfrutar nuevas experiencias en un campo muy lejano al de una confrontación.
No niego que enseñar requiere e implica esfuerzo, energía y una permanente actitud de dar. Pero no olvidemos tampoco, que eso termina siendo un ejemplo para los alumnos que poco a poco integrarán su esfuerzo, su energía y nos permitirá recibir aquello que ellos también puedan dar.
Tal vez aquí debamos acudir a algunas palabras que ilustren nuestra actitud como docente: escuchar, respetar, comprender.
Y a otras que reflejarán aquello que debemos alentar en ellos: crear, idear, producir, interpretar y apreciar.
Probablemente eso nos conducirá a un último grupo de vocablos que sin dudas coronará los esfuerzos de todos: descubrir, investigar, sorprenderse y disfrutar.
La rutina del diario enseñar en un colegio puede verse alterada positivamente por la conjunción de todos estos verbos, que definen actitudes y posicionamientos poco comunes.
Cuanto menos permitamos que esa rutina se instale en nuestra actividad, más felices seremos apreciando los logros que pocas veces podríamos haber imaginado.
Muy feliz comienzo de año “lectivo” para todos los que empezamos
Muy cordialmente
Humberto López
El Teatro Colón: espejo y consecuencias.
Como muchos de Uds. sabrán, el Teatro Colón de Buenos Aires, tiene sus puertas cerradas desde hace más de dos años, con motivo de ciertas restauraciones y modificaciones que no han cumplido los términos pactados.
Esto ha generado múltiples polémicas, acusaciones y reproches, ya que el más importante Teatro de Ópera de nuestro país y uno de los más importantes de Latinoamérica, no cumple su función principal y está sometido a cuestionamientos tan graves como la permanencia de la que fue siempre su gran acústica y la falta de definiciones acerca de su futuro.
Toda esta indefinición, coloca a nuestro país en una situación poco feliz ante los artistas del mundo, genera un gran malestar social, altera la tranquilidad de los artistas y deja a la cultura y a la música, sin el apoyo de uno de los grandes espacios para su difusión.
Sin embargo, esta situación nos enfrenta con muchas otras consideraciones que – según mi entender – se relacionan en alguna medida con la educación y la formación que nuestro sistema educativo debería brindar a quienes transitan por él y que me llevan a escribir esta nota.
He reiterado en distintas oportunidades que no soy un músico dedicado a la ópera o al ballet, por lo cual no creo que mi voz tenga la autoridad suficiente para opinar acerca de los problemas prácticos – y muy desafortunados por cierto – que aquejan al Teatro Colón.
Es por eso que sólo me permito una reflexión, pretendiendo extraer un par de conclusiones que imagino podrían ayudarnos en el futuro, intentando lograr una aproximación positiva a la desgracia por la cual atraviesa esa institución y que sin dudas afecta a la sociedad y a la República toda.
Para ello, me permito utilizar dos palabras como eje del escrito: “espejo” y “consecuencias”, vocablos aparentemente inconexos pero que – al menos en mi pensamiento – crean la imagen de “las consecuencias de mirarse al espejo”.
En mis años de vida he visto y comprobado que los gobernantes tienen dos premisas básicas sobre las cuales asientan su desempeño: “todo lo anterior ha sido malo” y “a partir de ahora se solucionarán todos los problemas”, premisas erróneas desde su concepción dada la naturaleza humana, donde nunca el todo es todo o la nada es nada. No recuerdo haber oído de quienes han llegado al poder (político al menos), decir: “si bien esto ha sido un error y debemos corregirlo, esto otro ha sido un gran acierto, sigamos construyéndolo”.
Lo preocupante, es que cuando se manifiesta que el pasado ha sido un cúmulo de errores (a veces incluso atribuidos a la mala fe), rara vez existan consecuencias tangibles, lo cual nos lleva a pensar que ello no ocurre para que no se conviertan en un espejo, que luego nos devolverá nuestra propia imagen.
Tenemos, en nuestra administración pública y en nuestros organismos, personas dedicadas, genuinamente preocupadas, dispuestas a colaborar, creativas y que buscan mejorar lo existente y generar nuevos avances con un gran aprovechamiento de los recursos. Pero, muchas veces y pese al esfuerzo de funcionarios realmente comprometidos con su actividad, los posibles logros se ven coartados por decisiones políticas que los superan.
Pareciera que siempre lo técnico, lo artístico, lo que tiene que ver con el conocimiento, está subordinado a lo político, aunque en realidad “lo político”, sea una abstracción que en algunos casos se vuelve concreta, en la manifestación de los intereses personales de quienes detentan el poder o de quienes pretenden lograrlo.
No puedo negar que ésta ha sido una conducta del hombre desde que el mundo es mundo, pero valdría la pena – ante los hechos consumados – pensar nuevamente en el espejo y en las consecuencias de esos manejos que anteponen lo personal a lo social.
El Teatro Colón – pobre entidad zarandeada por cada gobierno, así como por muchos de los individuos que han pasado por sus distintas direcciones – está siendo probablemente, víctima de un mal manejo arquitectónico, administrativo y financiero. No sé las causas, pero los resultados están a la vista. Los plazos no se cumplieron y muchas voces airadas clamaron y claman por una transparencia que no existe.
Ahora bien, más allá de las actitudes de los gobiernos y de las autoridades, de los posibles desaciertos de funcionarios sin las capacidades adecuadas, o de las acusaciones de mala fe que sin dudas dejan también sus huellas nosotros, los músicos, ¿hemos tenido en las épocas de normal funcionamiento del Teatro, la conducta adecuada frente a la música y a su desarrollo?
Como en todos los órdenes de nuestra sociedad, la paradoja del ser humano se ha hecho siempre presente en el Teatro: las glorias van emparentadas con las miserias, los triunfos con las mezquindades y lo sublime se da la mano con lo abyecto. He hablado en muchas ocasiones con directores extranjeros, que – obviamente – en conversaciones “off the record” se han manifestado muy asombrados de las capacidades de nuestros músicos, pero muy sorprendidos de sus actitudes. Quienes trabajan en el Teatro, han sido – indudablemente – muchas veces víctimas de reiterados abusos e injusticias en su trabajo, pero creo que tampoco debemos olvidarnos de las agremiaciones abusivas, del desinterés de algunos de sus integrantes frente al hecho musical y de los conflictos generados sólo por lograr o conservar espacios de poder, etc. que tampoco han mostrado al país y al mundo una imagen favorable de nuestro Teatro.
Para terminar de dar forma a la reflexión propuesta, me planteo ciertos interrogantes que pongo a la consideración de todos para que podamos encontrar algunas respuestas:
- Si lo anterior estuvo mal, fue erróneo o hubo mala fe, ¿dónde están las consecuencias?.
- Si lo actual es lo correcto, ¿porqué no se explicita en forma coherente, con los datos ciertos y plazos acordados?
- Si existen problemas de fondo, presentes o pasados, ¿porqué no se aclaran y “se ponen sobre el tapete” para solucionarlos y porqué no se ubica a los responsables?
- Esa mezcla de ocultamiento y olvido, ¿responderá al miedo al espejo?
- El olvidar, ¿servirá para que otros olviden? El ocultar, ¿para que otros oculten?
- Los músicos y personal idóneo, cuando el Teatro vuelva a su época de esplendor, ¿seguiremos anteponiendo las conveniencias personales al arte?
Todo esto – a mi criterio – debería dejarnos otra enseñanza: el espejo y las consecuencias (o sea el observarnos y el asumirnos), son dos elementos que están siempre presentes en la educación de todos las sociedades del mundo. Son parte esencial del proceso educativo y este proceso es a mi entender la solución para el problema de fondo que nos aqueja: el anteponer el interés personal antes que el interés social, el no reconocer al otro y el no intentar analizar los problemas en forma objetiva. Observar y analizar en forma ecuánime es el mayor logro que cualquier sistema educativo puede pretender alcanzar.
Creo por último, que en la situación que nos ocupa, la subjetividad ha primado por sobre la objetividad. La sensación es la de dos posiciones que consideran que todo lo de la vereda de enfrente es erróneo. Personalmente, me cuesta creer que no pueda haber aproximaciones objetivas al tema que busquen aprovechar lo mejor de cada una de ellas.
Cuando educamos músicos, nos ocupamos de la técnica. Sin embargo deberíamos ocuparnos del ser humano que luego aprenderá y dominará esa técnica. Cuando educamos administradores, nos ocupamos de las funciones y olvidamos que debemos formar seres humanos que luego aprenderán y cumplirán esas funciones. Cuando designamos gobernantes y autoridades, nos basamos en el carisma, en la conveniencia material o política o en un impulso emocional, sin analizar sus capacidades y sin exigirles una formación en lo humano que le haga sentir que debe anteponer sus deberes a sus derechos, que sus acciones públicas deben estar sometidas a las consecuencias y que su poder es una cesión social y no una adquisición personal.
Construir demora mucho más que destruir. El educar es una construcción lenta, pero que debemos asumir de una buena vez, para evitar nuevos “Teatros Colón” y rehabilitar nuestra imagen ante el mundo y ante nosotros mismos.
El Teatro Colón nos muestra como en un gran espejo, las falencias que yacen en nuestra sociedad. Está en nosotros animarnos a verlas y vernos reflejados en él, a asumirlo y a plantearnos seriamente que debemos ver las consecuencias de lo realizado y responsabilizar a quien corresponda por ellas.
Pero por sobre todo, a plantear los hechos con claridad, sinceridad y anteponiendo el conocimiento a la política, para que eduquemos sobre ello, a fin que nos podamos mirar en cualquier espejo sin temer a las consecuencias de nuestros actos.
Música fusión y la fusión de la música
En un conocido canal de cable, emiten varias veces por semana conciertos con intérpretes de alto nivel internacional (Baremboin, Orquesta Filarmonica de Berlín, etc.) y me sorprendió escuchar a la orquesta del Teatro de la Scala de Milan, dirigida por un músico que es reconocido como cantante de jazz.
La sorpresa no provino del cantante de jazz, sino de su aparición como director de orquesta y el verlo cantando con ella, no jazz, sino como una especie de “instrumentista vocal” (por darle un nombre), como un instrumento más y mientras dirigía!.
BobbyMcferrin, así es su nombre, es un hombre dedicado al jazz, poseedor de un envidiable humor que se aprecia en sus videos y dueño de una prodigiosa voz, pero que a la vez dirige Vivaldi, mientras canta una de las melodías como “instrumento” solista.
Existen muchos intérpretes que han hecho del canto una “forma instrumental”, utilizando fonemas mientras cantan (podemos recordar a Ella Fitzgerald, a los Swingle Singers o a The King Singers, etc. como ejemplo).
Pero, además de asombrarnos con su increíble habilidad vocal, me resulta importante señalar como vamos poco a poco uniendo estilos, formas e interpretaciones de la música.
Poca gente imaginaría un “jazzman” dirigierdo la orquesta de uno de los principales teatros de ópera del mundo, así como muchos podemos habernos sorprendido con los tres principales tenores operísticos del mundo, entonando desde comedias musicales hasta tangos, como parte de su repertorio.
Deseo hacer hincapié nuevamente en que, más allá del posible sentido comercial de estas expresiones musicales, lo realmente rescatable es que las barreras entre los distintos tipos de música van desapareciendo y nos enfrentamos a una “cultura musical” mucho más abarcativa, donde el rock se une a las orquestas sinfónicas, el folklore latinoamericano puede enlazarse con la música indú o el ballet ha dejado de expresarse por medio de la música clásica solamente y aúna géneros como el tango y el minuet.
Tal vez quienes son puristas puedan ver afectado su gusto personal, pero nuestra realidad nos indica que las barreras se derrumban y que podemos llamar música a toda manifestación, quedando los rótulos como meros índices para una clasificación de investigadores.
Es importante, creo, que quienes enseñamos música no hagamos diferencia en la música por estilos. Tal vez sea importnate señalar la calidad de la interpretación, cualquiera sea ese estilo, ya que no podemos olvidar que transmitimos la capacidad para hacer música y nuestro deber es enseñar para hacerla bien!.
Y que todo es música!
Este año 2008 que se va nos deja como enseñanza que nada es eterno. Cuando se habla de “nuevos órdenes financieros”, que por su esencia ocupan la mente de miles de millones de personas y vemos como defender los viejos estilos puede conducir al fracaso, podemos brindar a nuestros alumnos la misma lección: que la comprensión de lo diverso, la fusión de lo antiguo con lo moderno, el acercamiento de los extremos y la aceptación de lo diferente, puede ser una de las principales vías de acceso al logro de los objetivos.
Ojalá que el año 2009, nos permita esa “Unidad en la diversidad”, que tanto necesitamos para reencontrarnos con nuestra real esencia.
Creo que podemos dar gracias que la música pueda ser un vehículo ideal para lograrlo.
Muchas felicidades a todos!
Humberto López
La Música y la Fe
Creo que a nadie le caben dudas de la íntima conexión que existe entre la Navidad y la Música.
Tampoco ignoramos que la Navidad es una de las fechas fundamentales para la fe cristiana.
Y que pocas personas podrían imaginarla sin música.
En realidad y más allá de las características de la fe de cada uno, creo que muy pocas celebraciones religiosas del mundo no apelan o apelaron a la música para expresar sus más profundas manifestaciones de fe.
Si continúo con la idea de “la música y la realidad”, no podemos dejar de lado que en la tangible realidad de la existencia de la fe dentro del género humano, la música ha sido una figura inseparable de ella.
Una vez más creo, que deberíamos preguntarnos que es lo que confiere a la música esa posibilidad de asociarse a lo místico, a las creencias, a los ritos, a las celebraciones y a los íntimos “temores” y “amores” que el hombre ha elaborado durante su existencia.
Cánticos, mantras, himnos, vedas, motetes, misas, anthems, oratorios, canciones tribales, son todas formas de la música por la fe.
Ojalá que así como cada una de esas creencias tiene sus “músicos”, con el tremendo poder de difundirlas, tengamos nosotros – los músicos – conciencia del asombroso “poder” que tiene la música para la vida del hombre.
Muchas felicidades a todos en estas fiestas y que el año 2009 nos encuentre unidos en la misión de hacer y enseñar música.
Humberto López
La música y la realidad
Estimados lectores, después de mucho tiempo y habiendo atravesado algunos problemas, tengo la alegría de volver a escribir en este lugar tan querido que es el Blog de Música Viva. Lugar en el que he recibido muchas satisfacciones y que me ha permitido conectarme con muchos colegas y personas interesadas en la música y en su educación.
Si bien yo pensaba con que tema reiniciaría mi contacto con Uds. nunca imaginé que podría hacerlo desde un grupo de comentarios que surgieron a raíz de mi escrito “¿Qué significa enseñar instrumentos en un colegio de enseñanza general?, del cual surgieron tres interesantes comentarios, absolutamente disímiles entre sí, pero que precisamente por esas diferencias, me plantearon un hecho de mucha significación para mi.
Uno de ellos, generado por Gustavo, plantea el interrogantes acerca de cuales son los problemas dentro de la Enseñanza Musical.
El segundo de Ana Lucía habla acerca de la motivación, la evaluación y la formación de grupos musicales y sus características en los colegios.
El tercero de José Luis, plantea un panorama cuanto menos sombrío de la Educación Musical en nuestro país y de la formación de quienes deben llevarla adelante.
Como Uds. sabrán es un tema que me apasiona y que creo debería merecer la atención de todos aquellos quienes tratamos de formar seriamente a los estudiantes para poder apreciar, vivir, interpretar la música ya sea en forma amateur como profesional.
Entrando en tema, creo que entran en este incipiente análisis de la educación musical, muchas variables que se deberían analizar y de las cuales sólo hago un listado enunciativo, esperando que otros tengan la amabilidad de agregar al mismo sus propias conclusiones y experiencias.
He de enviar este artículo también a todos los miembros del Grupo de Música VIva, ya que dada la trascendencia del tema considero muy importante mencionarlo ante la mayor cantidad de gente posible.
Cuando hablamos de educación musical, creo que mencionamos un amplio espectro de temas y campos en los que un docente puede operar (música vocal, música instrumental, música electrónica, historia, audición, composición, etc.) que nos permitiría pensar que nos hallamos frente a un conglomerado de disciplinas, siendo cada una de ellas absolutamente distintas, pero que necesitan una serie de conocimientos y habilidades comunes que permiten avizorar su naturaleza peculiar.
Teniendo esto en consideración y analizando la situación en sus dos aspectos: la enseñanza en colegios generales y en conservatorios especializados, me parece que podríamos comenzar mencionando los siguientes aspectos:
1) La depreciación de nuestra educación musical, no es un hecho aislado, sino que creo se corresponde con la baja del rendimiento educativo en todas sus áreas, situación ampliamente divulgada y de conocimiento publico.
2) La ubicación en relación con su “utilidad práctica”, que la sociedad brinda a la música que, – paradojalmente – a pesar de reconocer su importancia dentro de la vida de los individuos, no se siente inclinada a considerar que necesite un espacio demasiado importante dentro del curriculum escolar.
3) La escasa importancia que le brindan las autoridades educativas, que sostienen que con que un alumno cumpla una de las asignaturas del “área artística”, ya sea ésta música, plástica, teatro, etc.) tiene cubierta su “cuota educativa” en las artes. Y esto sumado a la absurda separación que se realiza en forma tácita o explícita entre las ciencias y las artes.
4) Nuestra difícil situación social, como país y como parte de un mundo azotado por continuas crisis de todo tipo.
5) La operatividad de muchos directores de colegios que brindan un mínimo espacio a las actividades musicales, aduciendo razones de “costos”, de “importancia curricular”, de necesidad de ocuparse de las “materias importantes” (sic), de razones de “espacio”, etc. que contribuyeh a generar docentes humillados, resentidos, afectados en su autoestima y que generar un círculo vicioso que se retroalimenta en función del desprestigio de la música como materia.
6) La actitud de muchos docentes que se remiten a “cumplir” con su tarea o a ignorarla, resguardándose también en que “total, a nadie le importa lo que hacemos”.
7) La típica actitud social que nos envuelve de las “antinomias”: así como somos buenos o malos, de Ríver o de Boca, también nos ubicamos en ser “músicos clásicos” (considerando que la “otra música” es de muy baja calidad), o somos “músicos populares” (manifestando que la otra es música de elite”).
La continua declamación de “Nuevos planteos curriculares” que en general se refieren siempre a la técnica de la interpretación (hablando de las instituciones especializadas), sin intentar comprender que el hecho musical es un tema que atañe a los individuos en forma personal y a la sociedad en general, tanto en el aspecto filosófico, psicológico, sociológico y antropológico.
9) La lejanía, en muchos casos, de las investigaciones de alto vuelo que se desarrollan dentro de la materia, de la constante de las aulas y de los problemas diarios que tienen los docentes que acuden a cada clase con cientos de dudas a enfrentar problemáticas que a veces los exceden desde todos los ángulos.
Tal vez considerarán que lo que acabo de mencionar es una mezcla de descripciones pesimistas u oscuras, sin embargo me he referido a circunstancias que están todos los días en las conversaciones de muchos quienes nos dedicamos a la educación y de muchos padres preocupados por el futuro de sus hijos.
Quienes me conocen, saben que soy un optimista a ultranza, pero no ignoran que trato de basar ese optimismo sobre las situaciones reales y concretas que me tocan vivir.
Y de ese optimismo y de esa realidad, surgen, a mi entender, como alternativa muy válida a esas descripciones, una serie de interrogantes que, si pudiéramos contestar, nos comenzarían a acercar a otra realidad muy distinta y mucho más promisoria:
¿ Tenemos conciencia los docentes de música, de la extraordiaria herramienta que poseemos, como elemento formador de la personalidad de los alumnos?
¿ Pensamos y reflexionamos alguna vez, que cuando impartimos una instrucción musical a nuestros alumnos, estamos generando en ellos un proceso sensitivo, que les va a permitir apreciar las circunstancias de su vida en una forma más amplia?
¿ Nos sentimos alertas ante el hecho de que podemos invitar a los alumnos a crear, generando en ellos la posibilidad de expresarse por medio de sus propias construcciones, alentándolos y guiándolos en el camino del arte?
¿ Somos conscientes que no necesitamos ser “genios” ni tener “vocaciones especiales” para hacer música y disfrutarla, sino que lo que hace falta es conocerla para poder llegar a amarla?
¿ Aceptamos la realidad que ese “conocerla” no necesariamente tiene un sólo camino, sino que cualquier ruta que elijamos, transitada con conocimientos, responsabilidad y esfuerzo, nos gratificará y gratificará a nuestros alumnos, permitiéndoles disfrutar de la actividad?
¿ Entendemos que ubicarnos en la óptica de pensar que “no hay docentes formados adecuadamente”, “los colegios no dan espacio”, “nunca afinan el piano”, “a nadie le importa”, etc. etc. no nos conduce más que a la frustración, alimentando el círculo que una y otra vez nos lleva a sentirnos fracasados?
¿ No podemos pensar que quienes creemos que estamos capacitados debemos ayudar a los otros, que quienes tienen medios pueden colaborar con otros, que quienes tienen circunstancias de éxito pueden compartiras y que – a fin de cuentas – los otros somos nosotros mismos?
¿ Queremos aceptar que el éxito y el fracaso no se miden en función de los logros, sino de las expectativas (expectativas ecuánimes, reflexivas y adecuadas a las circunstancias) y que los errores son la real fuente de aprendizaje?
¿ Estamos de acuerdo en que somos quienes podemos formar a los alumnos en la adquisición de un nuevo lenguaje no verbal, pero con un poder de comunicación extraordinario, que visto desde su aspecto científico o emocional, psíquico o fisico, íntimo o masivo, promueve grandes transformaciones en lo personal y en lo social?
Imagino que muchos considerarán que, aparentemente, estas preguntas tienen que ver poco con lo musical, pero sin embargo considero que en ellas se centra el cambio de actitud necesario para comenzar a modificar esa realidad que aparentemente nos abruma y que todo lo demás (técnica, habilidad, conocimientos específicos, etc.) estará absolutamente subordinado a la visión que podamos tener de nuestra enseñanza.
Los estudios de los volcanes no se dedican sólo al fuego y al humo, sino que se extienden a las circunstancias que los provocan, aunque el fuego y el humo, sean las manifestaciones que pueden apreciarse y que nos afectan.
Felicito a los jóvenes que se preocupan por esta problemática, me entusiasman los profesores que buscan conocer más de la técnica para enseñar cada día mejor, a veces es necesario ser cauto en las críticas al sistema (aunque las mismas se hagan debido a la urgencia y necesidad de que las cosas funcionen mejor) y creo que todos, deberíamos preguntarnos como interrogante final:
¿ Qué hacemos nosotros en nuestra actitud diaria, en nuestra cotidianeidad, por revertir esas situaciones? ¿Acudimos a los especialistas, para que escuchen nuestros reclamos? ¿Interesamos a los directores para que tomen conciencia de las ventajas de la música? ¿Dedicamos el tiempo necesario para que los alumnos y sus familias puedan conocer y amar la música? ¿Buscamos reunirnos en redes basadas en el compromiso con el otro y en su reconocimiento? ¿Generamos proyectos más allá de lo impuesto por el curriculum, como forma de que nuestros estudiantes disfruten del “hacer música”?
También son preguntas que deberíamos respondernos.
Soy consciente que no todo es simple y lineal, que esto no pretende ser ni un recetario de “autoayuda”, ni tampoco un descubridor de nuevas preguntas que probablemente Uds. ya se hayan planteado. Sólo pretende ser una manifestación de una visión de la realidad que nos circunda y que podemos – en caso que así lo pensemos – contribuir a modificar.
Muy feliz de estar nuevamente en contacto con Uds. los saluda
Humberto López
Componer en el aula – La Intensidad
La dinámica o intensidad es otro de los factores de muy fácil acceso para quienes tengan la oportunidad de ingresar a la música por medio de la composición.
La noción de “fuerte”, “suave”, “muy fuerte” y “muy suave”, es un concepto muy fácil de comprender y de captar.
Tal vez acá debamos detenernos pensando en las dos actividades fundamentales: componer e interpretar.
Cuando componemos, puede parecer fácil escribir una determinada intensidad o gama de ellas para indicar lo que pretendemos.
Cuando interpretamos, probablemente no será tan sencillo realizar lo que el compositor pide. No siempre es igualmente fácil interpretar un pasaje fuerte o suave.
Ahora bien, cuando incitamos a los niños a componer y volviendo a nuestras pequeñas obras: “el reloj” o “la fábrica” (en tal caso ver notas anteriores), podemos pensar que ya tenemos dos elementos básicos que pueden realmente embellecer su composición: la velocidad y la dinámica.
Considerando un trabajo consciente deberíamos (luego de haber escuchado su composición), plantear a los alumnos el porqué del uso de la dinámica en determinados lugares: la intensidad no es un recurso que usamos en forma “aleatoria”, sino que debe estar justificado por razones musicales, de expresividad, de comunicación, en instancias superiores por razones armónicas, melódicas, de equilibrio sonoro, etc.
Sin pretender tanto de los niños que asisten a nuestras escuelas, considero que existen a priori, ciertas circunstancias que pueden ser de rápida comprensión para un uso adecuado de este recurso:
a. Podemos hacer notar que la dinámica puede ser aquello que permita que una melodía se escuche por sobre el acompañamiento, ya que si tenemos cinco tambores y una flauta dulce es necesario tener en cuenta el volumen que producen los instrumentos para que todo pueda escucharse adecuadamente.
b. El uso de la dinámica como recurso para finalizar adecuadamente una obra.
c. Su uso para destacar una voz sobre otra (recurso similar al primero, pero donde no incida la cantidad de instrumentos, sino sólo la necesidad de destacar alguna voz).
d. El destacar un punto culminante de la obra.
Estos son sólo ejemplos de las explicaciones que podemos brindar a los alumnos – fáciles de comprender – acerca del uso musical de la intensidad.
Aquí y para terminar agrego un par de datos más; el primero se refiere a las “gradaciones” de intensidad: no tenemos solo fuerte o suave, sino que podemos tener un movimiento que va del suave al fuerte o viceversa.
El último es su combinación con la velocidad. Cuando termine esta serie de comentarios, probablemente incluiré alguno sobre la combinación de elementos, ya que cada uno de ellos debe tener distinto tratamiento en su combinación con los otros. En este caso específico, los niños tienden a incrementar el volumen cuando se aumenta la velocidad. Es muy importante mostrar que pueden existir todo tipo de combinaciones entre ambos recursos, para no caer en vicios que luego son difíciles de erradicar.
Hasta pronto!
Componer en el aula – Velocidad
Continuando con la serie de escritos que tienen referencia a la composición en el aula, quisiera sugerir algunos caminos que pueden ser aplicados, como forma de incentivar a los niños a componer o improvisar.
Reitero que estoy refiriéndome a alumnos de escuelas generales, donde todos sabemos que el tiempo y los recursos son escasos.
En el artículo anterior, señalé aquellos que considero los primeros pasos en una pedagogía avalada por la composición. Ahora deberíamos pensar que podemos hacer luego de esta primera experiencia, que puede durar una, dos o tres clases (no desanimarnos si el primer día es un caos).
También el mundo lo fue. . . (y a veces lo sigue siendo).
Luego del “reloj” uno podría sugerir “la fábrica”, donde podemos agregar cambios de velocidad y mayores modificaciones dinámicas. Aquí empieza a aparecer uno de los conceptos que es importante fijar en los niños. Digo “comienza a aparecer”, porque no lo van a entender fácilmente el primer día, pero poco a poco lo van a ir asimilando por medio de la experimentación: el cambio de velocidad.
Es importante hacerles entender que un cambio de velocidad es una modificación del pulso y no un cambio de figuras. Es necesario que sepan que cambiar corcheas por blancas nos hace ir “más rápido” desde la esencia de la música.
Obviamente los sonidos aparecen y desaparecen más rápidamente, pero eso no altera la velocidad de nuestra obra. La real alteración de velocidad, está dada por la modificación de la velocidad del pulso.
Este es un concepto muy obvio, pero debe ser comprendido por los niños ya que en muchos casos por su abstracción, se presta a confusiones: “Señor: ¿cómo puede ser que ésta parte en negras sea más rápida que aquella en corcheas?”, es una pregunta que muchas veces me hacen los alumnos y que conlleva la necesidad de explicar por que ocurre eso.
Si los niños son pequeños, p.ej.: primaria, no nos detengamos en explicar medidas metronométricas, o indicaciones de tiempo: sólo hagamos énfasis en la diferente velocidad del pulso y luego permitamos que experimenten.
Desde experiencias muy simples como caminar más rápido (pero siempre con un “accelerando” regular, hasta la mayor complejidad de incrementar la velocidad mientras el grupo toca diversos ritmos a la vez, los chicos pueden divertirse con juegos que les permitirán rápidamente aplicarlos a la composición, donde establezcamos la consigna de “modificar la velocidad”.
Hemos hablado que todas las composiciones deben tener un final “conclusivo” y agradable. Podemos perfectamente aquí introducir la práctica y la noción del “rallentando” final, que les brindará la oportunidad de embellecer aún más sus composiciones.
Eso sí, por favor no olvidemos que para lograr un buen “accelerando”, es muy importante tener un ritmo preciso y saber hacia donde nos dirigimos, ya que si no corremos el riesgo que el “caballo se desboque” y no podamos controlar ese incremento de velocidad.
He pensado el plan de ir tomando cada uno de los elementos que puedan aparecer en una composición, dedicándole un tiempo en particular, como forma de ir combinándolos hacia la meta de armar composiciones cada vez más complejas.
Para finalizar hago énfasis en un detalle: Cuando abordamos un nuevo ítem en nuestras clases de música, pensemos siempre en explicar los fenómenos musicales no con palabras técnicas, sino con un vocabulario cotidiano. Luego que el sentido de lo que explicamos haya sido captado por los alumnos, en ese preciso momento, podemos incluir los términos técnicos.
Muchas gracias
Hasta la próxima!
La educación musical – un aporte de todos
Estimados lectores, he recibido con mucho entusiasmo varios artículos de profesionales preocupados por la forma, los contenidos, la didáctica y su aplicación en el aula, donde destaco los dos últimos, uno del profesor Nuñez de Costa Rica y de la Lic. Yelén de nuestro país. Si bien en ambos se pueden apreciar situaciones de aplicación diferentes, hay un patrón común que es el hacer las cosas bien, para beneficio de quienes quieren aprender música y por otra parte, generar ese interés en quienes aún no lo poseen. Asimismo, voy descubriendo que nuestro grupo de google va creciendo día a día, no sólo en número sino también en profundidad de ideas y en búsqueda de aplicaciones concretas. La idea de Ángeles, acerca de empezar a generar algún tipo de planificación – basada en la realidad y no en ideas o “ideales” que luego se conectan muy poco con ella – reforzada por el aporte tecnológico de Hernán (nuestro webmaster), creo que puede dar origen a productos de indudable riqueza para cada uno de nosotros, para la educación en la música y para la sociedad en su conjunto. No son tareas fáciles, ni de rápido resultado. Sí, son tareas gratificantes que nos brindan la satisfacción del crecimiento y del sentir todo aquello de lo que somos capaces cuando trabajamos con seriedad y alegría (términos que no son antagónicos, sino complementarios).Las dificultades que atravesamos quienes enseñamos música, tienen una indudable compensación: rara vez se nos exige cumplir una planificación determinada, muy pocos directores entienden de que se trata y por otra parte ese desinterés (en muchos casos aparente) de la sociedad, hace que pocos se preocupen por los resultados. Si hablo de lenguajes todos estarían horrorizados si alguien en sexto grado, luego de estudiar seis años de lengua no conociera las letras, o que un alumno, después de seis años de matemáticas no conociera los números. Sin embargo pocos se preocupan que haya alumnos que, en muchos colegios después de tener seis años de música, no puedan leer las notas. Aquí entramos en el tema: ese desinterés por los resultados, hace que tengamos docentes tremendamente preocupados por la situación y otros que, al amparo de la falta de controles, conviertan la clase de música en una especie de “recreo controlado”, donde la falta de objetivos y la pobreza de aplicación, desprestigien aún más la actividad musical en las escuelas. Tal vez pueda ser duro, pero me parece que se debería “tomar el toro por las astas” y plantearlo, ya que exponer una realidad, es la mejor forma de mejorarla, transformarla o mantenerla, pero con conciencia de causa. Hemos emprendido una tarea (me voy a referir a ella en un próximo artículo) y nuestro grupo cuenta con miembros de varios tipos: docentes que recién se inician, otros muy experimentados, de enseñanza inicial, de primaria y de secundaria, pedagogos de mucha experiencia, músicos profesionales e incluso con algunos entusiastas aficionados que han sido y continúan siendo miembros de agrupaciones musicales (coros, orquestas, etc.). La tarea es como hemos dicho, generar un camino de enseñanza musical basado en la realidad del cada día en los colegios, con el fin de jerarquizar y ampliar las bases de acción de quienes enseñamos. Y aquí termino, diciendo que TODOS, pueden realizar su aporte a la tarea. Hay quienes dirán “yo no soy docente y no entiendo”, otros que pensarán “ya no enseño y no vale la pena”, otros que “no estoy de acuerdo y mejor no opino”. Sin embargo, TODOS pueden contribuir, porque el enseñar-aprender no es sólo una cuestión de técnicos, es un proceso vital en el cual todos – consciente o inconscientemente – tomamos parte durante toda nuestra vida. Todos alguna vez enseñaron, todos alguna vez aprendieron y nada más enriquecedor para estos procesos que las distintas visiones desde los distintos posicionamientos de la vida. A nuestros amables lectores, los invito a unirse al grupo, a quienes ya están en él a escribir, a discutir y a aportar ideas. Todos estaremos gratificados si nuestro trabajo termina con éxito. Muchas gracias Humberto
Educación musical: la fragmentación del aprendizaje
Un muy interesante comentario de una visitante de nuestro blog, me ha inspirado (luego de un largo silencio debido a una gran cantidad de trabajo) a escribir este artículo, porque dicho comentario expresa una triste realidad de nuestro país.
Tal como la profesora manifiesta, quienes cantan no siempre atienden las realidades del aparato fonador y quienes son fonoaudiólogos no tienen posibilidades de enfrentar la emisión desde el aspecto musical.
Yo tal vez, podría agregar que ninguno de ellos se ocupa de la psiquis de los alumnos, tema que creo es importante dentro de la enseñanza del canto.
Debo también reconocer que existen honrosas excepciones, con profesores que tienen un claro concepto de nuestra anatomía y sus funciones y las transmiten adecuadamente.
Lo que ocurre es que, lamentablemente, la formación docente en el área de música en nuestro país se encuentra en una situación de carencias o, en el mejor de los casos fragmentada tal como mencioné en el título.
Este es un tema muy delicado, donde no pretendo herir susceptibilidades ni menospreciar el trabajo de nadie. En realidad, hemos producido y supongo que continuaremos produciendo excelentes músicos en todas las áreas de arte musical, ya sea instrumentistas, cantantes, directores, compositores, etc. Pero la realidad es que la excelente formación que muchos músicos tienen, no siempre es un aval para transmitir esos conocimientos y mucho menos – valga la paradoja – para transmitirlos a los que menos saben.
En el caso del canto, cuando un profesor recibe un alumno de canto, ¿tiene claro que debe enseñarle? El alumno que quiere cantar, ¿tiene claro lo que debe aprender? Una buena voz, ¿es sinónimo de un buen cantante?
En realidad uno podría preguntarse si el canto es un hecho innato o adquirido y cultural.
Y habría mucho para discutir allí, porque cantar es algo que todos tenemos como posibilidad, pero los factores histórico-sociales de teatralización y de elementos técnicos por un lado o de timidez y burla por otro han hecho que esa facultad que poseemos como seres humanos, sea – en algunos casos – cruelmente dañada.
Personalmente sostengo que todos podemos cantar, pero también todos pensamos que debemos ser Plácido Domingo, Liza Minelli o una figura de renombre para poder ser reconocidos como cantantes. Sin embargo, muchos cantantes no llegan a esa “envidiable posición” por tener una maravillosa voz. Llegan por su musicalidad, por su profunda comprensión de la actividad o por otros factores que los han llevado a tener un gran dominio del hecho musical.
Desde mi criterio, cuando despegamos el canto de su esencia y lo convertimos en un despliegue técnico (y sólo cuidamos de su técnica tal como en la música académica), cuando queremos hacer música pero no atendemos los requerimientos básicos de una buena posición (sólo pensamos en como sonará, sin atender a los conocimientos profundos del aparato fonador, como en la música popular) o cuando pretendemos que el otro transmita pero no nos ocupamos de sus sensaciones personales (sólo nos ocupamos de la música pero no del individuo), estamos dejando de lado algunos de las instancias básicas del canto: técnica, música y personalidad.
La pregunta sería, cuál de los institutos de formación, cuál de las escuelas donde se forman los docentes, cuál de las universidades que preparan a quienes serán formadores, atiende los tres aspectos del maravilloso fenómeno natural que es cantar? Porque en realidad, en el canto, lo único que se debe hacer es ayudar a crecer a lo que ya poseemos desde nuestro ser.
Obviamente, luego tendremos cantantes con mayores o menores capacidades, tal como tenemos economistas, ingenieros, pintores, atletas, etc. Pero la esencia está en todos y el peligro de la artificialidad nos puede perjudicar tanto como la desatención a la preparación profunda.
En muchos casos – más allá del canto – tenemos esa disociación entre técnica e interpretación y en otros entre técnica y “conocimiento del cuerpo”. Realmente, tal vez sea hora de redefinir conceptos, revisar actitudes y reelaborar formas de enseñanza para que la música pueda comenzar a enseñarse en forma “holística”.
Componer en el aula
Me he referido muchas veces al hecho de “componer en el aula”. Es ésta una idea a veces aplaudida, a veces combatida, pero que sin duda plantea ciertas connotaciones que es interesante plantear como forma de pensar y repensar la actividad.
Componer, dentro del aula, significa crear música a partir de los elementos musicales o no musicales disponibles y desde los conocimientos (cualquiera sea su nivel) que posean los alumnos.
Todos podemos, con un mínimo esfuerzo, tomar conciencia de nuestras posibilidades de hacer música (entonar una melodía, crear una melodía, producir sonidos con el cuerpo, con los elementos de nuestro entorno, con instrumentos, etc.), al pensar en ese hacer como una forma de uso de los sonidos no relacionada con sistemas musicales elaborados.
Cuando decidimos plantear que nuestros alumnos compongan, inmediatamente debemos pensar en cuales serán nuestros parámetros de observación, cuales los puntos que deberemos evaluar y cual será nuestra postura con respecto a algo que visto desde ciertos cánones tradicionales, no va a “sonar” como una sonata de Mozart.
Espero que estemos todos de acuerdo en que nuestros sistemas de hacer música han ido variando con el correr del tiempo, han ido modificándose, han experimentado múltiples “recetas”, encontrándonos con que en nuestra época actual, se han derribado muchas barreras y si bien por un lado hemos llegado a límites insospechados de realización musical inmersos en un gran intelectualismo, esas especulaciones casi “sin límites”, también nos han permitido un uso menos “limitado” del sonido, aceptando una experimentación que enriquece las posibilidades del aprendizaje.
¿Se nos ha ocurrido que cada niño del aula, haga una simple y pequeña melodía con su nombre? Les pido que no se desmoralicen en el primer intento, donde lo más común son las risas de sorpresa, las miradas entre sí, los “noes” de los más tímidos y aquellos que por sentirse cohibidos utilizan dos notas para decir “A-na”. Sin embargo, luego de un par de veces de realizar este simplísimo ejercicio, veremos como su creatividad crece y poco a poco, estas pequeñas fórmulas van cobrando una mayor vida.
¿Pensamos también en repetir un pulso en forma sucesiva a fin de detectar a quienes tienen dificultades en mantenerlo coherentemente? ¿Y luego de ello un esquema rítmico? Sencillo, no complicado, esto será solo una experimentación.
Todo esto, debería ser realizado muy rápidamente, tal vez utilizando menos de 12 minutos de clase.
Bueno, una vez que hemos “demostrado” a nuestros alumnos que todos pueden marcar un pulso, sostener un ritmo y crear una melodía, mi pregunta es: ¿qué más necesitamos para componer música? Tal vez ayude una idea generadora: pensaron en invitarlos a crear una composición llamada “el reloj”?
Probablemente nos sorprenderemos de la riqueza que iremos encontrando en este sencillo trabajo que no debería llevar más que 15 minutos por clase. Eso sí, no nos olvidemos que es conveniente dividir la clase en grupos de alrededor de ocho chicos, para que puedan trabajar mejor.
Cuando los escuchemos, nos daremos cuenta que a lo que han hecho, le podríamos agregar dinámica, articulación, velocidad, carácter, variaciones tímbricas, etc.
¡Cuántos elementos de la música en muy breve tiempo!
Quise ilustrar esto, para ejemplificar aquello que llamamos componer. Con el correr del tiempo, podremos ir agregando fórmulas rítmicas, melodías con un cierto esquema tonal, forma, estructura, etc.
Siempre con la misma característica: la de la experimentación.
Siempre alentando, siempre evaluando sobre lo positivo, siempre tomando conciencia que estamos trabajando con seres que tal como nosotros dudan, sienten vergüenza, temen al juicio, pero se preocupan para que sus producciones sean tan buenas como puedan serlo.
De aquí en adelante, nuestra actitud les ayudará a seguir creciendo.
Hasta pronto!